La BBC a établi une liste des 25 meilleurs films du 21e siècle à ne pas manquer

Si je vous demande de citer quelques-uns des meilleurs films du 21e siècle, que répondrez-vous ?

Le Seigneur des Anneaux ? Un homme d’exception ? Little Miss Sunshine ? Finding Nemo ? Elle ? Inception ? Le Martien ? Inside Out ? Le clair de lune ? Ou La La Land ?

De nombreux films étonnants sont sortis au cours des 17 dernières années. Certains sont très populaires auprès du public, d’autres sont nominés ou reçoivent même des prix largement reconnus. Ils sont tous extraordinaires à leur manière, mais certains d’entre eux sortent vraiment du lot.

BBC Culture a récemment contacté 170 critiques de cinéma célèbres dans le monde entier et leur a demandé de choisir les 10 meilleurs films sortis entre le début de l’année 2000 et aujourd’hui. Sur la base des votes des critiques, la BBC a établi la liste des 100 plus grands films du 21e siècle^[1].

Voici les 25 meilleurs films avec la critique de la BBC:

25. Memento (Christopher Nolan, 2000)

Le film Memento de Christopher Nolan, qui raconte l’histoire d’un homme incapable de se remémorer l’assassin de sa femme, a établi une norme de sophistication narrative que peu de films grand public ont tenté de reproduire… Le film nous oblige à réfléchir au manque de fiabilité de la mémoire humaine et à notre tendance à l’auto-illusion, tout en nous faisant vibrer avec une histoire captivante de roman policier… Inoubliable. – Eric D Snider, indépendant, États-Unis

24. The Master (Paul Thomas Anderson, 2012)

Le chef-d’œuvre ambitieux, puissant et finalement élégiaque de Paul Thomas Anderson est centré sur la question de savoir si l’homme est, en fait, un animal. L’alcoolique tourmenté Freddie Quell (Joaquin Phoenix) revient de la Seconde Guerre mondiale et s’efforce, en vain, de se conformer à l’évolution sociale de l’Amérique d’après-guerre… mais le véritable enjeu du film est une exploration de la pensée et de la conscience, et la question de savoir si la soumission à des systèmes de croyance peut réellement apprivoiser l’atavisme. – Ali Arikan, Dipnot TV, Turquie

23. Caché (Michael Haneke, 2005)

https://www.youtube.com/watch?v=Irqiv5k8HHo

Tous les films de Michael Haneke vous hantent. Avec Caché, il va droit au but et fait de l’idée de la hantise le thème même de l’histoire. Daniel Auteuil et Juliette Binoche interprètent un couple bourgeois parisien qui commence à recevoir des cassettes vidéo inquiétantes montrant leur maison… L’acte de ne pas détourner le regard est l’impératif moral au cœur de Caché, ce qui en fait un film politique et cinématographique suprême à la fois. – Hannah Pilarczyk, Der Spiegel, Allemagne

22. Lost in Translation (Sofia Coppola, 2003)

Impératrice de l’ennui cinématographique au XXIe siècle, Coppola a toujours utilisé la célébrité comme un raccourci vers la solitude qui existe entre les vies privées et les images publiques… Lost in Translation est son film le plus parfait, celui qui exprime le mieux comment on peut se retrouver dans un monde qui nous laisse rarement oublier où l’on se trouve. – David Ehrlich, Indiewire, États-Unis

21. The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson, 2014)

The Grand Budapest Hotel est le salut d’adieu du 21e siècle au siècle précédent. Il remonte le temps, d’aujourd’hui à 1985, en passant par 1968 et 1932, où le concierge Monsieur Gustave, interprété par Ralph Fiennes, nous accueille dans une civilisation digne de ce nom d’un signe de tête. Nous savons que le monde immaculé de Gustave est en voie de destruction, d’abord par la guerre, puis par des décennies de négligence. Inévitablement, le présent paresseux et impersonnel l’emportera, produisant en masse non seulement nos hôtels, mais aussi nos cinémas et les superproductions sur leurs écrans… Cette tragicomédie étrange nous enrôle dans le combat pour la beauté. Monsieur, oui, monsieur. – Amy Nicholson, MTV, États-Unis

20. Synecdoche, New York (Charlie Kaufman, 2008)

Synecdoche, New York a été initialement conçu lorsque Charlie Kaufman a été approché pour réaliser un film d’horreur. Mais plutôt que des tueurs masqués et des monstres extraterrestres, Kaufman a décidé de faire un film sur les choses qui nous empêchent vraiment de dormir la nuit. Synecdoche, New York, c’est toutes les peurs profondes que vous avez jamais eues, écrites en grand : vous avez déçu votre conjoint et laissé tomber vos enfants, vous avez laissé vos proches mourir seuls et atrocement… Le chef-d’œuvre de Kaufman nous rappelle que nous ne sommes pas seuls, même lorsque nous sommes au plus bas et au plus sombre de notre vie. – Angie Han, Slashfilm, États-Unis

19. Mad Max : Fury Road (George Miller, 2015)

Une vision cohérente avec un voyage structuré autour des thèmes de la survie et de l’endurance, le quatrième opus de la franchise dystopique a mis en évidence ce qui est autrement la sécheresse narrative et thématique de la machine à superproductions hollywoodienne… Sans recourir à un cynisme bon marché et à un faux-gris, Miller se concentre sur la sensualité des environnements, des machines soigneusement fabriquées et des paysages brûlés. – Justine A Smith, Freelance, Canada

18. Le ruban blanc (Michael Haneke, 2009)

« En situant l’histoire dans un village du nord de l’Allemagne dans les mois précédant la Première Guerre mondiale, Haneke a non seulement remis en question le mythe de l’innocence de l’enfance, mais il a également fourni une préquelle fictive aux événements qui allaient se dérouler en Allemagne… ce film s’adresse au public de ce siècle : une vision troublante du danger de la droiture, une menace sinistre qui semble toujours se reproduire. – Fernanda Solórzano, Letras Libres Magazine, Mexique

17. Le Labyrinthe de Pan (Guillermo Del Toro, 2006)

Del Toro revient à ses racines, à son alchimie entre cinéma pop et cinéma d’auteur, pour nous offrir un regard sur les horreurs de la guerre, en l’occurrence la guerre civile espagnole… Le Labyrinthe de Pan nous offre une tragédie à travers le filtre du fantastique, en puisant dans un puits de souffrance et de magie. Sa force réside dans sa pureté : rien de ce que nous pouvons imaginer n’est aussi terrible que ce que nous pouvons nous faire les uns aux autres. – Ana Maria Bahiana, pigiste, Brésil

16. Holy Motors (Leos Carax, 2012)

Holy Motors n’est pas un film. C’est un acte de deuil conçu comme une expression d’amour, et si l’enfant terrible Leos Carax est un réalisateur incontournable pour tout cinéphile depuis ses débuts… Surréaliste, idiot, sexy et triste, Holy Motors est une visite guidée à travers tout ce qui, dans le cinéma, compte pour Carax. En tant qu’homme, il se noyait dans sa propre vie – Holy Motors était son premier long métrage en 13 ans, après avoir lutté pour obtenir un financement – et il a transformé son art en radeau de sauvetage. Les films sont importants. Voici pourquoi. – Drew McWeeny, Hitfix, États-Unis

15. 4 mois, 3 semaines et 2 jours (Cristian Mungiu, 2007)

Une scène, une coupe, zéro musique… Un avortement dans une ruelle est imprégné de la tension brutale d’un thriller policier – et l’avortement était un crime dans la Roumanie des années 1980… Pourtant, malgré une imagerie déchirante, dépeinte en détail dans un laps de temps de 24 heures, l’humanisme sous-jacent du film est perçu à travers l’esprit imbattable de la protagoniste Otila, une étudiante qui prend des risques impensables et fait des pieds et des mains pour aider son amie Gabita à résoudre sa grossesse non désirée. – Maggie Lee, Variety, Hong Kong

14. The Act of Killing (Joshua Oppenheimer, 2012)

Peu de films ont osé capturer tout le spectre du mal humain avec autant de franchise et de perspicacité qu’Oppenheimer dans son inclassable épopée non fictionnelle, dans laquelle le réalisateur danois né au Texas convainc des membres des escadrons de la mort de rejouer leurs meurtres dans le style de leurs films hollywoodiens préférés… Il s’agit d’une amnésie nationale, du pouvoir de l’auto-illusion et de la moralité douteuse de la recherche de la vérité… C’est l’un des documentaires les plus célèbres du 21e siècle. – Joseph Fahim, indépendant, Égypte

13. Les enfants des hommes (Alfonso Cuarón, 2006)

Voici une déclaration audacieuse sur un film audacieux : Children of Men, comme aucun autre film de ce siècle, et peut-être aucun autre film de tous les temps, résout le sens de la vie… il est riche et vital dans sa profondeur émotionnelle et philosophique : sa tristesse, sa colère, sa révérence et son inquiétude pour l’humanité… Children of Men a perduré et est devenu un favori culte qui devrait être un visionnage obligatoire pour tous ceux qui sont aux prises avec des sentiments d’effroi à l’égard de la civilisation moderne. – Richard Lawson, Vanity Fair, États-Unis

12. Zodiac (David Fincher, 2007)

Zodiac, son film méticuleux, magnifique et obsédant, est une plongée dans l’obsession, suivant un dessinateur de presse qui devient obsédé par les meurtres du Zodiac dans les années 1970… Glorieusement détaillé, Zodiac entraîne les spectateurs dans un monde compulsif où le plus petit indice peut être le plus grand, et il présente le pire cauchemar de l’obsessionnel : qu’en fin de compte, les réponses sont tout à fait inaccessibles. – Devin Faraci, BirthMoviesDeath, États-Unis

11. Inside Llewyn Davis (Joel et Ethan Coen, 2013)

Situé dans la scène folklorique de Greenwich Village dans les années 1960, Inside Llewyn Davis des frères Coen est un hommage mélodique et douloureux à un outsider mal-aimé. Davis (Oscar Isaac) se met à son compte après que son partenaire musical ait fait cavalier seul. Tout au long de son périple, il en rencontrera d’autres qui aspirent à un succès similaire et d’autres qui essaient simplement de survivre… Inside Llewyn Davis est une chanson solennelle pour tous ceux qui essaient de devenir quelqu’un. – Monica Castillo, The New York Times’ Watching, États-Unis

10. No Country for Old Men (Joel et Ethan Coen, 2007)

La caractérisation cinématographique de Bardem est si puissante, si splendidement écrasante dans son application aléatoire de la violence, qu’il parvient à éteindre tout ce qui l’a précédé dans l’esprit du public. Le film se déroule dans l’ouest du Texas en 1980 et son sens du temps et du lieu est inégalé… Le rythme du film est hypnotique et l’on voit des personnages que l’on ne peut s’empêcher d’aimer prendre une série de décisions catastrophiques qui les font entrer dans l’univers de Chigurh, un monde baignant dans le sang et dont l’issue est déterminée à l’avance. – Ben Mankiewicz, Turner Classic Movies, États-Unis

9. Une séparation (Asghar Farhadi, 2011)

S’il y a un film qui vous oblige à vous regarder dans le miroir encore et encore, c’est bien celui-ci. Le drame relationnel brûlant d’Asghar Farhadi ne porte pas de jugement sur ses personnages. Au contraire, il présente les situations de manière si réaliste que le spectateur finit par sympathiser avec les deux protagonistes, même s’ils sont montés l’un contre l’autre… le tout donné l’impression d’observer ses voisins, ou peut-être quelqu’un dans sa propre maison, créer un jeu de moralité cinématographique sans pareil. – Utpal Borpujari, indépendant, Inde

8. Yi Yi : A One and a Two (Edward Yang, 2000)

En 2000, les spectateurs ont été étonnés par la fluidité avec laquelle Yi Yi d’Edward Yang dépeint la vie contemporaine à travers les histoires entremêlées des membres d’une famille de Taipei, séparés par les dilemmes propres à leur situation dans la vie. C’est assez ironique, car dans le monde actuel d’aliénation personnelle par l’attrait des médias sociaux, le film ressemble à un film d’époque, mais d’une manière ou d’une autre, il résonne avec une urgence encore plus grande… Ses réflexions tranquilles sur la vie, l’amour, la famille et la mort sont toutes gracieusement touchantes, quel que soit le fossé entre les générations et les cultures. – Oggs Cruz, Rappler, Philippines

7. L’arbre de vie (Terrence Malick, 2011)

Comme un grand poème, The Tree of Life se prête à mille interprétations, le réalisateur Terrence Malick entreprenant un voyage spirituel et lyrique à travers le temps, depuis une enfance poussiéreuse au Texas dans les années 1950 jusqu’aux débuts du cosmos lui-même… Les joies et les pertes douloureuses de la parentalité deviennent transcendantes, voire bibliques, entre les mains de Malick. – Kate Muir, The Times, Royaume-Uni

6. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Michel Gondry, 2004)

L’histoire d’une rupture qui tourne mal… Mais il ne s’agit pas d’une simple histoire fantaisiste de désir romantique… Le film appartient tout autant à Kate Winslet, dont la décision d’effacer ses propres souvenirs de l’époque où elle était avec son ex-couple déclenche le drame. Étrange et surréaliste, charmant et tragique, le film s’attaque à l’instabilité fondamentale de toutes les relations humaines, parvenant à une vision sage et puissante qui est – ironiquement pour une histoire de souvenirs qui s’estompent – inoubliable. – Eric Kohn, Indiewire, États-Unis

5. Boyhood (Richard Linklater, 2014)

Pendant plus d’une décennie, Richard Linklater a passé quelques semaines par an à raconter la vie de Mason (Ellar Coltrane)… et le fait de voir la distribution, qui comprend également Ethan Hawke et une remarquable Patricia Arquette, vieillir sous nos yeux, ajoute une couche supplémentaire d’émotion à chaque scène. À une époque où tous les aspects de la société s’accélèrent, Linklater a ralenti pour raconter l’une des histoires les plus marquantes de notre époque. – Matt Singer, ScreenCrush, États-Unis

4. Spirited Away (Hayao Miyazaki, 2001)

L’histoire de Miyazaki, celle d’une jeune fille piégée dans le monde des esprits, qui tente de sauver ses parents, ressemble à un retour en arrière à une époque révolue de l’animation dessinée à la main… ses images élaborées de monstres spirituels japonais ont une portée ambitieuse et un sens de l’aventure fulgurant. C’est un conte de fées traditionnel transformé en un récit passionnant de transformation et de découverte. – Tasha Robinson, The Verge, États-Unis

3. There Will Be Blood (Paul Thomas Anderson, 2007)

Dès sa scène d’ouverture presque sans paroles, There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson donne l’impression d’avoir été forgé, et non filmé. Daniel Day-Lewis, dans le rôle du prospecteur du début du siècle Daniel Plainview, grogne, crache et gratte pour se frayer un chemin dans un trou sous la terre cuite de l’Ouest ; il trouve de l’argent, traîne son corps à moitié brisé pour certifier sa concession… Le reste du film – un testament tentaculaire et à moitié fou de la cupidité, de l’industrie, de l’hypocrisie morale et du battage médiatique dans ce qu’ils ont de plus élémentairement américain – pourrait être regardé sans aucun son et rester parfaitement compréhensible. – Ann Hornaday, The Washington Post, États-Unis

2. In the Mood for Love (Wong Kar-wai, 2000)

https://www.youtube.com/watch?v=I2rzeq4V00k

Wong Kar-wai est l’un des perfectionnistes les plus connus du cinéma mondial, mais il a mérité chaque moment d’indécision dans la salle de montage avec In the Mood for Love… Nous ne voyons jamais les visages des époux dont la liaison entraîne deux voisins solitaires dans leur spirale romantique délirante… afin d’accentuer la charge érotique de chaque déhanchement et de chaque tourbillon voluptueux de la caméra. Et nous n’entendons jamais les mots perdus et chuchotés au point culminant… jamais auparavant un film n’avait parlé avec autant d’aisance le langage universel de la perte et du désir. – Justin Chang, Los Angeles Times, États-Unis

1. Mulholland Drive (David Lynch, 2001)

WH Auden disait de Los Angeles qu’elle était « le grand mauvais endroit ». James Ellroy l’appelait « le grand endroit juste ». L’idée que deux ou plusieurs idées apparemment contradictoires peuvent être vraies simultanément est si souvent oubliée dans la culture à somme nulle d’aujourd’hui, mais elle est au cœur du chef-d’œuvre empathique de David Lynch… Mulholland Drive est une rêverie sur le sexe, le suicide et le « silencio ». …. Le film de Lynch est si magnifique et si douloureux, si mystérieux et, à bien des égards, si reconnaissable – conduisez sur la vraie route, Mulholland, la nuit, puis marchez de Western à Vermont, et vous verrez – que, quelle que soit la théorie que vous lui attribuez, l’image reflète effectivement une réalité qui va au-delà du sud de la Californie et s’installe dans nos cerveaux, puisant dans nos rêves, nos peurs les plus profondes, nos natures impénétrables, nos désirs érotiques, et nos garçons de billard. – Kim Morgan, Sunset Gun, États-Unis

Certains de vos films préférés figurent-ils également sur la liste ? Et avez-vous des idées pour le prochain film à regarder ?

Il ne s’agit que des 25 premiers films de la liste des plus grands films. Consultez la liste complète sur BBC Culture ici.