Guitare pratique : 7 leçons que j'aurais aimé connaître plus tôt -

Si vous êtes comme moi, et comme beaucoup de mes amis guitaristes, lorsque vous avez commencé , votre objectif premier n’était pas d’être le musicien le plus approprié, le plus instruit et le plus respectueux des règles de l’art au monde. Honnêtement, je me souciais probablement plus de faire du bruit et de voir combien de notes je pouvais jouer dans une mesure .

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Inutile de dire que j’ai appris beaucoup de leçons difficiles au cours des 15 dernières années pendant lesquelles j’ai joué dans l’église. Beaucoup de ces leçons ont pris beaucoup plus de temps à apprendre que je ne l’aurais souhaité.

Dans ce billet, je voudrais simplement souligner quelques points pratiques que j’aimerais pouvoir enseigner à mon cadet pour qu’il prenne de l’avance sur moi.

1) Apprenez le système numérique de Nashville et entraînez votre oreille à entendre les intervalles.

Avant de déménager à Nashville, ce concept m’était assez étranger. C’est un système qui semble être négligé dans de nombreuses églises .

Si vous ne savez pas de quoi il s’agit, les Nashville Numbers sont simplement un moyen facile d’identifier et de communiquer les accords et les notes dans chaque tonalité. Il existe de nombreuses ressources expliquant ce système et je ne m’y attarderai pas ici, mais vous devriez y jeter un coup d’œil (surtout si vous souhaitez un jour jouer de la musique de manière professionnelle) .

Pouvoir regarder n’importe quelle note sur le manche ou entendre n’importe quel accord dans un morceau et l’associer à son numéro est une compétence inestimable .

Chaque accord dans une tonalité a un « feeling » et être capable d’identifier ce feeling grâce à l’entraînement aux intervalles et à la pratique des numéros de diagramme portera votre jeu et votre communication avec d’autres musiciens à un autre niveau. Il est courant d’entendre un responsable de notre église dire « Terminez sur le 4 » ou « Jouez 1 5 6 4 », et nous savons tous exactement ce qu’il faut faire, quelle que soit la tonalité dans laquelle nous nous trouvons.

2) Jouer dans la boîte

Dans les cours que j’ai pris quand j’étais plus jeune, on m’a appris 5 modèles de gammes générales, mais je n’ai réalisé que plus tard (après avoir appris de nombreuses chansons et repris ce que faisaient d’autres guitaristes) qu’il y avait toutes sortes de modèles/positions/astuces dans les modèles de gammes qui rendaient le jeu très pratique. Peut-être qu’un jour je ferai une leçon sur certains des motifs et formes que j’aime utiliser dans chaque tonalité, mais pour l’instant une recherche sur « playing in the box » ou « caged guitar playing » pourrait vous aider .

J’ai mes propres modèles que j’ai générés, mais je pense que c’est en pratiquant la théorie et les nombres de Nashville que j’y suis arrivé . Le jeu en boîte n’est pas forcément limitatif si on l’aborde correctement et si on a la théorie nécessaire pour en sortir. Lorsque je passe du temps à m’entraîner, j’essaie généralement de trouver d’autres endroits sur le manche que je ne le ferais normalement.

3) Apprendre à jouer de manière dynamique

Cela s’applique à de nombreux domaines, et pas seulement au niveau du volume. La sensibilité au toucher, le choix des effets et de la tonalité, ainsi que les notes que vous choisissez de jouer (ou de ne pas jouer) sont également essentiels pour soutenir le sentiment de la chanson .

Les meilleurs musiciens que je connaisse savent comment construire une chanson correctement et laisser de la place à la chanson pour qu’elle se développe et s’apaise lorsque c’est nécessaire .

Jouer constamment à 11, ou même à 5, n’aide personne. Votre dynamique influencera la façon dont les autres membres du groupe jouent et la façon dont le leader dirige. Il est important que tout le monde soit sur la même longueur d’onde et contribue à faire ressortir les meilleures émotions de la chanson. Parfois, il faut être confiant et se montrer le plus audacieux possible, et parfois ne rien jouer du tout. Ce qui nous amène au point suivant…

4) La simplicité est préférable

Je vais juste le dire, jouez moins de notes… beaucoup moins. Jouer trop est l’un des pièges les plus faciles à éviter et nous en sommes tous coupables. Souvent, lorsque je suis en studio en train d’écrire des parties, je dois constamment revoir à la baisse les idées originales que j’ai eues .

Je m’entraîne régulièrement à enregistrer une partie, à m’éloigner un peu, puis à revenir et à l’écouter.

Ce processus est un bon indicateur de ce qui fonctionne vraiment, et plus vous le faites, plus la simplicité devient naturelle. Je considère toujours qu’un jeu de bon goût est le signe d’un professionnel chevronné.

5) Accorder plus d’attention au leader… et au reste de l’équipe

Lorsque l’on joue dans un groupe, il est très facile de se laisser entraîner dans son « propre monde ». Il est honnêtement difficile de ne pas l’être lorsque l’on est constamment en train de gérer les pédales à utiliser, la suite du morceau, la créativité, etc. Il faut des efforts et de la pratique pour sortir de sa boîte personnelle, mais cela en vaut la peine !

Plus vous serez à l’aise avec les chansons et votre instrument, plus vous pourrez prêter attention à ce qui compte le plus : le contexte.

Vous pouvez avoir la partie la plus cool du monde, mais si elle ne s’inscrit pas dans le contexte de ce que jouent les autres membres du groupe et de l’orientation que le leader donne à la chanson, elle ne sera d’aucune utilité.

J’ai acquis la conviction qu’un bon musicien est aussi un bon producteur dans l’âme – il comprend comment chaque élément sonore doit être relié à un autre et comment faire ressortir la meilleure émotion de la chanson grâce à son rôle dans le mixage.

6) La guitare principale est dans le rythme

La musique n’est en fait que mélodie, tonalité et rythme, avec une histoire en plus.

En ce qui concerne les « lead lines » (ce qui semble intéresser la plupart des guitaristes), il est important de comprendre qu’il ne s’agit pas seulement de la hauteur de la note, mais aussi de la synchronisation de la façon dont elle est jouée .

Vous pouvez prendre une simple ligne de trois notes qui, lorsqu’elles sont jouées directement, semblent très ennuyeuses, mais en poussant les notes, en lesjouant sur le temps fort au lieu du temps faible, ou en les jouant de manière percussive , vous générez une toute nouvelle accroche qui est d’une complexité créative.

Personnellement, je pense que trop de guitaristes se sont appuyés sur les délais rythmiques pour ajouter cette saveur à leur jeu, ce qui, à certains moments, n’est pas une mauvaise chose, mais j’ai trouvé que cela enferme les guitaristes adorateurs dans une boîte de jeu droit plus souvent que nécessaire.Essayez d’utiliser quelque chose comme des délais de doubles croches ou de triples croches, ou rien du tout, pour pimenter les choses.

7) La confiance en soi sera plus grande que le ton.

La plupart des questions que l’on me pose concernent le choix du matériel et le réglage des délais. Je comprends, le matériel est amusant, je l’aime , mais c’est l’un des facteurs les moins importants pour être un bon musicien.

En mettant plus d’émotion et de confiance dans ce que vous jouez, vous obtiendrez un son bien plus puissant qu’en utilisant votre troisième overdrive .

Les meilleurs musiciens que j’ai côtoyés sont généralement les plus confiants. Ils peuvent jouer la partie la plus simple mais sonner plus fort que n’importe qui d’autre parce qu’ils se donnent à fond (indice : regardez le jeu de batterie d’Austin Davis).

Il y a vraiment une leçon spirituelle à tirer de tout cela : en tant que musiciens travaillant sur une plateforme, nous devons avoir confiance en notre identité, sinon l’insécurité s’installera rapidement. Nous ne pouvons pas nous permettre de placer un seul instant notre identité dans ce que les autres pensent de nous .

Je suis pleinement convaincu que je suis devenu un meilleur musicien en apprenant à mieux comprendre qui Dieu dit que je suis plutôt qu’en m’identifiant à ce que je fais et à ce que les autres pensent de moi .

C’est une bataille constante tout au long de notre vie, mais la solution est l’intentionnalité dans notre relation avec Dieu. Il est important de pratiquer son instrument, mais il est infiniment plus vital depasser du temps avec Dieu, d’écouter sa voix et d’apprendre à le comprendre.

Guitare pratique : 7 leçons que j’aurais aimé connaître plus tôt