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L’art est un grand symbole de statut dans la société moderne et, pour cette raison, il peut être assez intimidant pour le spectateur occasionnel. Pour beaucoup, le premier réflexe est de l’ignorer, de le considérer comme un jouet sans valeur pour les riches et les ennuyeux. C’est dommage, non seulement parce que l’art peut être une grande source de plaisir dans notre vie, mais aussi parce que même une connaissance passagère de l’art peut enrichir et approfondir notre compréhension du monde qui nous entoure.

Heureusement, il n’est pas si difficile d’acquérir une compréhension décontractée de l’art. Il est vrai que certaines personnes consacrent leur vie entière à étudier les moindres détails de l’œuvre d’un artiste, mais il n’est pas nécessaire de devenir un expert pour avoir une relation significative avec l’art. Il suffit d’une attention modérée aux détails, d’un peu de patience et d’une volonté de réfléchir à ses propres sentiments.

Je vous montrerai ici une manière rapide d’aborder et d’apprécier une peinture, bien que les idées présentées ici puissent être appliquées à des œuvres dans d’autres domaines (sculpture, dessin, voire architecture et mode) assez facilement. Il n’y a pas de raccourci vers la compréhension que je puisse donner ; le grand art récompense le centième regard autant que le premier, et vous pouvez passer une vie entière à réfléchir aux décisions qu’un artiste a prises dans un seul tableau. Au lieu de cela, je vais essayer de vous donner un processus à suivre qui vous aidera à tirer le meilleur parti d’un tableau dès la première fois que vous le verrez.

Puisque j’en parle, un mot sur le « grand art ». Andy Warhol disait que pour distinguer une bonne peinture d’une mauvaise, il fallait d’abord regarder un millier de tableaux. Il n’existe pas de règles strictes pour déterminer ce qui fait qu’une œuvre est grande, médiocre ou mauvaise ; rappelez-vous que le travail de Van Gogh était autrefois considéré comme de l’amateurisme et oubliable. Il y a bien sûr des normes qui comptent dans le monde de l’art professionnel, mais vous ne devez rien aux professionnels, alors ne vous préoccupez pas trop de ce qu’ils considèrent comme « génial ».

Jetez un coup d’œil

L’art doit vous interpeller d’abord par vos sens. Cela ne signifie pas qu’une peinture doive être belle pour être bonne, mais elle doit attirer votre regard d’une manière ou d’une autre. Laissez à une œuvre le temps de faire son effet – certaines œuvres sont intrigantes de manière subtile. Une œuvre peut attirer votre attention par son sujet, son utilisation des couleurs, une juxtaposition intéressante d’objets, son aspect réaliste, une plaisanterie visuelle ou tout autre facteur.

Une fois que vous avez vu l’ensemble du tableau, demandez-vous « de quoi s’agit-il? ». C’est-à-dire quel est le sujet du tableau ? Il peut s’agir d’un paysage, d’une personne ou d’un groupe de personnes, d’une scène d’histoire, d’un bâtiment ou d’une ville, d’un animal, d’une nature morte (une collection d’objets quotidiens tels qu’un bol de fruits, une pile de livres ou un ensemble d’outils), d’une scène fantastique, etc. Certaines peintures n’ont pas de sujet – la plupart des œuvres du 20e siècle sont abstraites, jouant avec la forme et la couleur, voire la qualité de la peinture, plutôt que de représenter la réalité.

Le tableau ci-dessus, réalisé par l’artiste néerlandais Breughel, représente la tour de Babel. Les scènes tirées de la Bible ou de la mythologie classique sont populaires dans les œuvres anciennes ; depuis la fin du 19e siècle, les scènes de la vie quotidienne sont plus courantes. Si vous connaissez l’histoire, vous avez une longueur d’avance, mais il est possible d’apprécier l’œuvre sans connaître l’histoire qu’elle illustre.

De quoi s’agit-il?

Recherchez des symboles. Un symbole, c’est tout simplement quelque chose qui signifie quelque chose d’autre. La tour de Babel est un symbole bien connu dans la société occidentale, représentant à la fois les dangers de l’orgueil et la rupture de l’unité humaine. Il arrive souvent qu’une peinture comporte des symboles très clairs – les crânes, par exemple, figuraient souvent dans les portraits des riches pour leur rappeler que leur richesse n’était que matérielle et que, dans le grand ordre des choses, elle n’avait en fin de compte aucune signification. Mais il arrive tout aussi souvent que le symbolisme soit unique, qu’il soit l’expression de la personnalité de l’artiste. Ne vous laissez pas prendre au piège d’essayer de comprendre « ce que l’artiste voulait dire » ; concentrez-vous plutôt sur ce que l’œuvre vous dit.

Comment ont-ils fait ?

La considération suivante est le style, qui est essentiellement la marque de la créativité individuelle de l’artiste sur la toile. Certains artistes suivent des styles bien établis – de nombreux portraits de la Renaissance se ressemblent presque tous pour le spectateur occasionnel, par exemple – tandis que d’autres s’efforcent d’être différents et stimulants. Certains artistes créent des œuvres très détaillées et finement contrôlées, tandis que d’autres font claquer la peinture presque au hasard, créant ainsi un effet sauvage et extatique.

Même si cela ne semble pas aussi évident que le sujet et le symbolisme, le style peut également transmettre un sens à l’observateur. Par exemple, les célèbres peintures au goutte-à-goutte de Jackson Pollock traduisent le mouvement et la liberté de l’artiste dans l’acte de création, bien qu’elles soient totalement abstraites. La Laitière de Vermeer, quant à elle, se distingue par la finesse des détails et l’application minutieuse de minces glacis de peinture à l’huile (ce qui n’apparaît pas sur une photographie, hélas) qui créent une qualité lumineuse, conférant une sorte de noblesse, voire de divinité, au simple geste d’un serviteur versant du lait.

Mon enfant pourrait faire ça !

Une grande partie de l’attrait de l’art est d’ordre émotionnel : certains artistes font tout pour susciter des réactions fortes, allant de l’admiration et de la convoitise à la colère et au dégoût. Il est facile de rejeter les œuvres qui bouleversent notre conception de l’art, et tout visiteur d’une galerie d’art moderne est susceptible d’entendre au moins une personne se plaindre que « n’importe quel enfant de trois ans avec une boîte de crayons de couleur pourrait faire ça !

Sachant qu’un artiste peut délibérément susciter une réaction émotionnelle, il est utile de prendre un moment pour remettre en question nos réactions immédiates. Si une œuvre vous met en colère, demandez-vous pourquoi. Qu’est-ce qui vous contrarie dans cette œuvre ? Quel objectif l’artiste pourrait-il poursuivre en vous contrariant ? De même, si vos sentiments sont positifs, pourquoi le sont-ils ? Qu’est-ce qui vous rend heureux dans cette peinture ? Et ainsi de suite – prenez le temps d’examiner vos propres émotions en présence du tableau.

Il ne s’agit en aucun cas d’une introduction complète à l’art, et encore moins d’un cours complet, mais cela devrait vous aider à commencer à apprécier l’art. Plus vous en saurez, plus l’expérience sera enrichissante, mais il n’est pas nécessaire d’en savoir beaucoup pour retirer au moins quelque chose d’une peinture. Gardez à l’esprit ces quatre concepts (j’essaie de ne pas les appeler les « quatre essences ») – le sujet, le symbolisme, le style et l’examen de conscience – et rendez visite à votre musée ou galerie d’art local pour voir si vous n’y trouverez pas quelque chose qui vaut la peine d’être vu.

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Avec l’aimable autorisation du WebMuseum de Nicholas Pioch.