5 choses qui donnent un sens à l’art

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Ce billet a été rédigé par Pablo Tinio, Département des fondements de l’éducation, Montclair State University.

Malgré les nombreuses études sur la psychologie de l’art et de l’esthétique, nous commençons à peine à connaître les types de pensées, d’intuitions et de compréhensions que les gens acquièrent lorsqu’ils font l’expérience de l’art. Il y a plus de cent ans, Wassily Kandinsky décrivait le rôle de l’artiste comme celui d’un transmetteur de sens : « L’artiste doit avoir quelque chose à dire, car son but n’est pas de maîtriser la forme, mais de l’adapter à son sens profond. Lors de la convention annuelle de l’American Psychological Association qui vient de s’achever, des chercheurs ont présenté, sous différents angles, des études qui examinent ce que les artistes transmettent au public.

Le point de départ de ces études est une conception de l’art issue de la philosophie, lecognitivisme esthétique. Selon cette conception, l’une des fonctions de l’art est d’améliorer la compréhension et les capacités cognitives. Pour les chercheurs empiriques, la question est de savoir comment cela se produit.

Des chercheurs de l’université de Pennsylvanie, dirigés par Anjan Chatterjee, ont commencé par réunir un groupe interdisciplinaire d’experts en art – philosophes, théologiens, historiens de l’art, neuroscientifiques et psychologues de l’art – et leur ont demandé de dresser une liste de termes décrivant l’impact de l’art. Le résultat a été un ensemble de 69 termes cognitifs et émotionnels. Ces termes ont été utilisés comme point de départ pour comprendre l’expérience de l’art dans le grand public. Les chercheurs ont demandé aux participants d’examiner chaque terme et d’énumérer d’autres mots ou phrases qui s’y rapportent dans le contexte de l’observation d’œuvres d’art. Par exemple, si une œuvre d’art donne l’impression d’être enracinée, à quoi d’autre pourrait-elle ressembler (peut-être calme ? ou humble ?) ?

Qu’est-ce qui donne un sens à l’art ?

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En analysant les associations de personnes, les chercheurs ont trouvé quatre catégories d’impacts de l’art : (1) des effets profonds et immersifs (se sentir intéressé, contemplatif, engagé, enchanté, emporté ou émerveillé), (2) des effets émotionnels positifs (éprouver du plaisir, se sentir calme et consolé, éprouver de l’empathie et de la compassion), (3) des effets émotionnels désagréables (être défié, contrarié ou en colère), et (4) des effets transformationnels (trouver la transcendance, l’édification morale, acquérir une perspective plus large, être inspiré).

En adoptant une approche différente, Pablo Tinio et moi-même avons commencé par le modèle du miroir de l’art, qui explique comment de nouvelles compréhensions peuvent être acquises. Le modèle du miroir décrit les processus de création et d’appréciation de l’art comme des images inversées l’une de l’autre. Alors que les artistes partent de significations et d’idées qu’ils cherchent à transmettre et qu’ils transforment en quelque chose de tangible en ajoutant des éléments de composition et des couches à leurs créations, les spectateurs commencent leur expérience en percevant les touches finales et, grâce à un engagement continu, peuvent accéder aux concepts et aux significations que l’artiste cherchait à transmettre.

La question est de savoir ce qui donne un sens à ces œuvres d’art particulières. Dans le cadre d’une étude menée au Whitney Museum of American Art, nous nous sommes penchés sur cette question fondamentale. Nous avons demandé à des visiteurs quelle était l’œuvre d’art la plus significative qu’ils avaient rencontrée.

L’analyse des entretiens avec les visiteurs a permis de dégager cinq grands thèmes sur ce qui donne un sens à l’art et sur les leçons – nouvelles compréhensions et perspectives – que les gens en tirent.

1. Des connaissances sur soi-même et sur l’histoire de sa vie. Lorsque l’art permet de se comprendre soi-même, les gens y puisent un sens personnel et établissent des liens avec leur vie, trouvent une source d’inspiration et de transformation personnelle, prennent conscience de la nécessité de faire preuve d’humilité intellectuelle et trouvent une stimulation émotionnelle. Par exemple, un visiteur a décrit son expérience de« Oriental-Synchrony in Blue-Green » de Stanton Macdonal-Wright en opposant la façon dont l’artiste voyait le monde à la sienne.
2. Compréhension des autres et du monde. L’art significatif stimule la compréhension des relations et des liens avec les autres, inspire des réflexions sur la société et l’histoire, ainsi que des réflexions spirituelles, religieuses ou sur la nature de l’existence. Les visiteurs décrivent explicitement leur expérience de l’art comme spirituelle. Un visiteur a expliqué que sa rencontre avec la« Porte de la rivière » de Willem de Kooning l’avait incité à regarder la réalité au-delà de l’évidence et à la déconstruire pour en extraire l’essentiel. Il a reconnu que le but de l’art abstrait était d’inspirer la contemplation du spirituel et a noté qu’il avait été transporté dans de telles considérations.
3. Compréhension de l’artiste et de son processus créatif. Les œuvres d’art permettent de mieux comprendre la vie des artistes, leurs idées, leurs intentions et leurs motivations. Par exemple, un spectateur s’est identifié à l’œuvre intitulée« Ojalá nos encontremos en el mar/Hopefully We’ll Meet at Sea » de Gabriella Báez, qui utilise une ficelle rouge pour relier physiquement l’enfant et son père sur des photos de famille. En réfléchissant à son propre père, le spectateur en est venu à considérer l’œuvre comme une tentative de reconstruction d’une relation brisée par l’artiste.
4. Sensibilisation au récit esthétique. Les œuvres d’art ont un effet profond lorsque les spectateurs cherchent un sens à la création d’un récit esthétique et abordent le sujet avec empathie. Nous pouvons ressentir viscéralement l’émotion et le lien humain lorsqu’un spectateur décrit la femme au centre de« The Subway » de George Tooker comme perdue et effrayée, presque comme en cage, dans une foule, mais clairement à l’écart.
5. Des idées sur les techniques et les matériaux utilisés dans l’art. La découverte du processus créatif, des techniques et des matériaux qui ont servi à produire l’œuvre d’art peut avoir un sens pour les visiteurs. Par exemple, un spectateur a été frappé par le fait que l’œuvre « Sans titre » de Malcolm Bailey ressemble de loin à l’illustration d’un navire négrier, alors qu’elle représente en fait un plant de coton à la manière d’un bleu. En y regardant de plus près, ils se sont émerveillés de la technique, ont remarqué des figures délibérément incomplètes et se sont interrogés sur leur finalité.

Il est important de noter que l’expérience d’un art significatif n’est pas nécessairement décrite par une seule de ces catégories. En particulier, la compréhension de la vie et des idées des artistes tend à être mentionnée avec d’autres types d’intuitions.

Même si les chercheurs ont abordé la question de l’impact de l’art sous différents angles, il est clair que les expériences artistiques significatives ont en commun d’être hautement émotionnelles, non pas d’une simple manière d’aimer, mais en faisant appel à l’affection et à la nostalgie, à la vulnérabilité, à la connexion et à l’empathie, ainsi qu’à l’inconfort stimulant. Ces expériences émotionnelles profondes facilitent la recherche de sens et de compréhension.

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